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## Tour
### Descripción
### Título
tour.name = Luis Gordillo · Museo Universidad de Navarra
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### Botón
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### Menú Desplegable
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### Texto Multilínea
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LOREM IPSUM
DOLOR SIT AMET
CONSECTETUR ADIPISCING ELIT. MORBI BIBENDUM PHARETRA LOREM, ACCUMSAN SAN NULLA.
Mauris aliquet neque quis libero consequat vestibulum. Donec lacinia consequat dolor viverra sagittis. Praesent consequat porttitor risus, eu condimentum nunc. Proin et velit ac sapien luctus efficitur egestas ac augue. Nunc dictum, augue eget eleifend interdum, quam libero imperdiet lectus, vel scelerisque turpis lectus vel ligula. Duis a porta sem. Maecenas sollicitudin nunc id risus fringilla, a pharetra orci iaculis. Aliquam turpis ligula, tincidunt sit amet consequat ac, imperdiet non dolor.
DONEC FEUGIAT:
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• Aliquam feugiat mauris sit amet.
ANA TERESA ORTEGA
FOTÓGRAFA
La exposición de Ana Teresa Ortega, Premio Nacional de Fotografía 2020, recorre sus trabajos desde los años 90 hasta la actualidad, algunos inéditos hasta la fecha. En palabras de la artista, nacida en Alicante en 1952, “es la primera vez que puede ver esta selección de proyectos creando sinergias y relaciones entre ellos, dialogando en un contexto expositivo”.
La muestra, coproducida con el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y comisariada por Pep Benlloch, es fruto de la convocatoria pública del Consorci de Museus Trajectòries, en la que se pretende revisar la trayectoria de artistas y colectivos de la Comunitat Valenciana, poniendo en valor el trabajo de creadoras como Ana Teresa Ortega y sus aportaciones al arte contemporáneo español. En ella, la autora invita a la reflexión de temas como la construcción de memoria individual y colectiva, el exilio, la identidad y la literatura como guardiana de la memoria.
Con un planteamiento cronológico, la exposición permite conocer en profundidad esta obra fotográfica, diversa y comprometida. La muestra también recoge una serie de proyectos que recorren la Segunda República, la Guerra Civil y la dictadura franquista. “Como aprendices de la historia, vemos muchos huecos y vacíos que cubrir. En estos proyectos ha habido un intento de llenarlos, cuestionarlos, visibilizarlos y aprender de ellos”. Así, Ortega recorre en estos trabajos prisiones habilitadas en la posguerra, obras públicas nacidas del trabajo forzado y escenarios del exilio científico.
LOREM IPSUM
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Integer gravida dui quis euismod placerat. Maecenas quis accumsan ipsum. Aliquam gravida velit at dolor mollis, quis luctus mauris vulputate. Proin condimentum id nunc sed sollicitudin.
DONEC FEUGIAT:
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La exposición de Ana Teresa Ortega, Premio Nacional de Fotografía 2020, recorre sus trabajos desde los años 90 hasta la actualidad, algunos inéditos hasta la fecha. En palabras de la artista, nacida en Alicante en 1952, “es la primera vez que puede ver esta selección de proyectos creando sinergias y relaciones entre ellos, dialogando en un contexto expositivo”.
La muestra, coproducida con el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y comisariada por Pep Benlloch, es fruto de la convocatoria pública del Consorci de Museus Trajectòries, en la que se pretende revisar la trayectoria de artistas y colectivos de la Comunitat Valenciana, poniendo en valor el trabajo de creadoras como Ana Teresa Ortega y sus aportaciones al arte contemporáneo español. En ella, la autora invita a la reflexión de temas como la construcción de memoria individual y colectiva, el exilio, la identidad y la literatura como guardiana de la memoria.
Con un planteamiento cronológico, la exposición permite conocer en profundidad esta obra fotográfica, diversa y comprometida. La muestra también recoge una serie de proyectos que recorren la Segunda República, la Guerra Civil y la dictadura franquista. “Como aprendices de la historia, vemos muchos huecos y vacíos que cubrir. En estos proyectos ha habido un intento de llenarlos, cuestionarlos, visibilizarlos y aprender de ellos”. Así, Ortega recorre en estos trabajos prisiones habilitadas en la posguerra, obras públicas nacidas del trabajo forzado y escenarios del exilio científico.
Desde el comienzo de la carrera de Gordillo, los rostros han sido una constante en pintura, fotografía y desarrollos gráficos. Al principio fueron cabezas inspiradas en recortes de prensa, en muchas de esas fotos aparecían bellas mujeres sonrientes. De hecho, de ahí nace su primera gran serie de cuadros de 1963 a 1965. Esa obsesión inicial, la ha mantenido a lo largo del tiempo y será uno de los elementos más reconocibles del corpus de su obra en todos los periodos. Existe algo en su interior, en su personalidad, que vuelve constantemente a este leit-motiv.
El proyecto que Luis Gordillo (Sevilla, 1934) presenta en el Museo Universidad de Navarra es una de sus propuestas expositivas más ambiciosas de la última década. Se plantea como una revisión de carácter activo que muestra sus trabajos principales del siglo XXI en diálogo con algunas otras piezas y series emblemáticas de su trayectoria anterior. Al mismo tiempo, esta revisión considera en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo, dando especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre pintura y fotografía, un territorio característico del autor donde la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen la obra.
El planteamiento general de esta antología es dialéctico y no cronológico. Su intención es descubrir aspectos sintácticos y estructurales que sirvan para entender los modos de funcionamiento del artista, su manera de enfrentarse al hecho creativo con desprejuicio y máxima libertad, colocando siempre en primer lugar un tipo de praxis experimental que permite muchos desarrollos abiertos.
'Memorándum' es una muestra viva, está pensada como un espacio dinámico que huye del cubo blanco y tiende a lo escenográfico. Su objetivo es implicar al visitante, mostrarle las tensiones y energías que desprende su trabajo desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros o temas recurrentes de su carrera; por otra, una observación detenida de las combustiones, exploraciones y derivas que se generan en el estudio. La exposición viene a ocuparse del Luis Gordillo del siglo XXI, dando especial consideración a sus cuadros de gran formato realizados durante el lustro 2015-2020, así como también a los procesos y experimentaciones con la multiplicidad de la imagen fotográfica.
El proyecto que Luis Gordillo (Sevilla, 1934) presenta en el Museo Universidad de Navarra es una de sus propuestas expositivas más ambiciosas de la última década. Se plantea como una revisión de carácter activo que muestra sus trabajos principales del siglo XXI en diálogo con algunas otras piezas y series emblemáticas de su trayectoria anterior. Al mismo tiempo, esta revisión considera en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo, dando especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre pintura y fotografía, un territorio característico del autor donde la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen la obra.
El planteamiento general de esta antología es dialéctico y no cronológico. Su intención es descubrir aspectos sintácticos y estructurales que sirvan para entender los modos de funcionamiento del artista, su manera de enfrentarse al hecho creativo con desprejuicio y máxima libertad, colocando siempre en primer lugar un tipo de praxis experimental que permite muchos desarrollos abiertos.
'Memorándum' es una muestra viva, está pensada como un espacio dinámico que huye del cubo blanco y tiende a lo escenográfico. Su objetivo es implicar al visitante, mostrarle las tensiones y energías que desprende su trabajo desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros o temas recurrentes de su carrera; por otra, una observación detenida de las combustiones, exploraciones y derivas que se generan en el estudio. La exposición viene a ocuparse del Luis Gordillo del siglo XXI, dando especial consideración a sus cuadros de gran formato realizados durante el lustro 2015-2020, así como también a los procesos y experimentaciones con la multiplicidad de la imagen fotográfica.
Existen una serie de trabajos de Luis Gordillo iniciados a partir del año dos mil que, sin ser expresamente ni fotografía ni pintura ni dibujo, utiliza la imagen con desprejuicio y libertad para generar unos resultados tremendamente frescos e inclasificables. Estas piezas orgánicas son difíciles de definir, mezclan sin inconveniente retales de procedencia diversa que van desde el dibujo o el collage hasta la apropiación. Su virtud fundamental es la viveza. Formal y conceptualmente, estos crecimientos ongoing suscitan aspectos de interés. Poseen atrevimiento y desparpajo, no parecen concebidos por alguien de tantos años. Para un artista veterano, lo peor es caer en la reiteración, acoplarse a una fórmula reconocible para seguir generando lo mismo siendo identificado. Luis no es el caso; más bien lo contrario, siempre está en la búsqueda de investigaciones nuevas, tal como demuestran obras de este tipo. Con estos desarrollos horizontales de pared, se rompen los límites y se añaden recursos de distinta procedencia. Poseen una vitalidad concentrada e intensa, algo híbrido que linda con lo pictórico.
En la dilatada carrera de Luis Gordillo, observamos ya desde sus inicios cómo su obra se bifurca en dos direcciones contrapuestas, territorios complementarios que en su caso funcionan como caras de una misma moneda: por un lado, un quehacer intenso y sufrido; por otro, expansivo y desbordado. El propio artista denomina a esta dualidad pintura vertical / pintura horizontal, una bisectriz que en 2021 sigue siendo válida para dividir el corpus de su producción, tal como podemos observar en esta sala, donde se complementan trabajos de estas dos categorías. A veces ocurre que se encuentra ensimismado en un cuadro hacia dentro, procurando avanzar en profundidad intentando resolver, como un matemático que desarrolla una fórmula en una pizarra, la ecuación adecuada de esa pieza concreta. Ahí puede estar meses, darle vueltas y vueltas a cualquier asunto mínimo relacionado con problemáticas específicas vinculadas al color en función del volumen y la profundidad del campo pictórico, un tema preferente en su obra desde principios de los setenta. El tiempo parece que se ha detenido, le cuesta prosperar. Trabaja obstinadamente el cuadro sirviéndose de la gama de color completa y tratando de ahondar en el espacio interior del mismo. Es algo así como un vaciado y, si fuese posible, hacerlo hasta el infinito en una mise en abyme inacabable. Son trabajos masoquistas, desarrollados con un gozo doloroso o viceversa. En estos casos, se devana los sesos, piensa detenidamente cada paso al modo que lo haría un cirujano que está llevando a cabo una operación a vida o muerte. Ésa, digamos, es la pintura en vertical. En cambio, otras veces la energía fluye de forma natural en horizontal, se extiende sin ningún esfuerzo y propaga por anegamiento.
Luis Gordillo es un artista octogenario que sigue trabajando a gran ritmo. Vive junto a su mujer, Pilar Linares, en una tranquila urbanización a las afueras de Madrid. Es un lugar plácido en las estribaciones de la sierra de Guadarrama. Su rutina diaria es muy similar cada día: se levanta a una hora cómoda y tras desayunar baja al taller, situado a pocos metros. Después del almuerzo, retoma la tarea, pero ya menos horas. La crisis global del coronavirus no ha cambiado mucho sus hábitos.
La vivienda del artista posee un extenso jardín y vistas al campo. Es un lugar aislado que, sin estar lejos de Madrid, se encuentra lo suficientemente apartado. En este enclave ha pasado todo el tiempo desde que se iniciara la crisis mundial del coronavirus en la primavera de 2020. Con la mente puesta siempre en la exposición de Pamplona, han sido meses provechosos y productivos en los que ha generado todos los cuadros que se pueden contemplar en la sala, además de infinidad de dibujos y collages como los que incluyen en las vitrinas. También, ha concluido otras piezas emblemáticas de fotografía y técnicas diversas como Naufragio (Sala cero), Autobiografía gordilliensis y Huida en espejo (Sala tres). El no tener que salir fuera de viaje, le ha permitido concentrarse de manera especial en este largo periodo de encierro.
Siempre en los límites -ya sean conceptuales o físicos- de la pintura, el discurrir del trabajo de Luis Gordillo hay que valorarlo en términos de progresión y combustión; digamos que el artista ha ido avanzando por construcciones sumatorias: lo que llegaba se iba acoplando a lo anterior, apoyándose en lo ya hecho y buscando su sitio propio en relación con lo que ya había. Progresivamente la obra va a ir superando el confín del soporte para adquirir una dimensión mucho más amplia como espacio envolvente.
En este sentido, es pertinente explicar que el origen de la incorporación de las lonas como fondo de algunos cuadros parte de un encargo que le hace la Junta de Andalucía en 2005 para recubrir los andamios que revisten la restauración del Puente Romano de Córdoba y su entorno durante los dos años que permanece en obras (2006-2008). Antes de materializar esta primera actuación al aire libre, desde el taller de impresión le remitieron una prueba a tamaño real que colocó sobre un lateral del estudio para poder observarla con atención. Un día por casualidad se pusieron sobre ella unos cuadros y el encuentro, impensado, llamó la atención de Gordillo: en el lugar donde confluían las dos imágenes se producía una cierta tensión útil que generaba energía. Desde entonces y aprovechando el perfeccionamiento en la calidad de aumento que permite la tecnología digital, las lonas se han convertido en un recurso más de su arsenal creativo, una técnica que le permite producir sobre una impresora gigante dibujos o texturas de cuadros aumentados, tal como ocurre con Cirugía esquimal o Martirologio cromático, ambos de 2006. Una vez que fija este fondo artificial sobre el muro, acomoda encima uno o varios cuadros que cambian su fisonomía en cuanto se ubican en ese inaudito environment. Así ocurre también con Gentlemen’s stoicism, Gentlemen’s sensuality y Gentlemen’s ambiguity, tres piezas de 2007 que podemos observar en el pasillo.
En la dilatada carrera de Luis Gordillo, observamos ya desde sus inicios cómo su obra se bifurca en dos direcciones contrapuestas, territorios complementarios que en su caso funcionan como caras de una misma moneda: por un lado, un quehacer intenso y sufrido; por otro, expansivo y desbordado. El propio artista denomina a esta dualidad pintura vertical / pintura horizontal, una bisectriz que en 2021 sigue siendo válida para dividir el corpus de su producción, tal como podemos observar en esta sala, donde se complementan trabajos de estas dos categorías. A veces ocurre que se encuentra ensimismado en un cuadro hacia dentro, procurando avanzar en profundidad intentando resolver, como un matemático que desarrolla una fórmula en una pizarra, la ecuación adecuada de esa pieza concreta. Ahí puede estar meses, darle vueltas y vueltas a cualquier asunto mínimo relacionado con problemáticas específicas vinculadas al color en función del volumen y la profundidad del campo pictórico, un tema preferente en su obra desde principios de los setenta. El tiempo parece que se ha detenido, le cuesta prosperar. Trabaja obstinadamente el cuadro sirviéndose de la gama de color completa y tratando de ahondar en el espacio interior del mismo. Es algo así como un vaciado y, si fuese posible, hacerlo hasta el infinito en una mise en abyme inacabable. Son trabajos masoquistas, desarrollados con un gozo doloroso o viceversa. En estos casos, se devana los sesos, piensa detenidamente cada paso al modo que lo haría un cirujano que está llevando a cabo una operación a vida o muerte. Ésa, digamos, es la pintura en vertical. En cambio, otras veces la energía fluye de forma natural en horizontal, se extiende sin ningún esfuerzo y propaga por anegamiento.
Al principio de su carrera, estos desarrollos horizontales los hacía garabateando formas sobre un papel, que pasaban de un folio a otro, o de una página a la siguiente si era un cuaderno. Esta manera de trabajar era un modo de dejar salir cosas fuera, ya sean mentales o emocionales, característico de sus series iniciales en tinta china concebidas en París (Abstracciones, 1959-60). De hecho, incluso reconociendo en ellos algo sustancialmente distinto al tipo de trabajo que vendría después, ese modo evolutivo de permitir que un yacimiento productivo se dilate siguiendo la intuición, pervive hasta hoy después de haber pasado por distintos estadios. Han cambiado los motivos, los recursos y materiales, las técnicas y tecnologías, incluso los medios, pero ese sistema circulatorio se ha mantenido adaptado a cada época. Desde entonces, en el momento que coge una veta favorable, la energía fluye con plétora, una expansión parecida a las ondas que se propagan cuando se lanza una piedra al agua. Pocas veces hay previsión; si acaso un cierto control para evitar que las ideas mueran por saturación.
Aun manteniendo un nivel alto de entropía que impide prever la combustión que generan sus desbordamientos horizontales, para el artista resulta mucho más fácil seguir la estela de estas fuerzas derramadas que inventar otras nuevas. Es como si sobrara energía y de manera natural pasara de un lugar a otro, como si un líquido rebosase y empapase su entorno estimulando una dilatación tan incontenible como inevitable. Así, cuando surge el impulso debe aprovecharlo, una propulsión que genera subconjuntos encadenados que no pueden desconectarse. Al proceder de un magma común que los alimenta y justifica, sólo tienen sentido de manera unísona. No puede leerse de otro modo, son como sílabas de una misma palabra cuya ordenación deviene un significado concreto superior a la suma de las partes. Estas progresiones la encontramos en todas sus etapas y en técnicas diversas que van desde el dibujo a la fotografía pasando por la obra gráfica digital. Algunos ejemplos últimos podrían ser Electro-Amable (2020) Transmigración de almas, A y B (2020) o Naufragio (2020).
Al principio de su carrera, estos desarrollos horizontales los hacía garabateando formas sobre un papel, que pasaban de un folio a otro, o de una página a la siguiente si era un cuaderno. Esta manera de trabajar era un modo de dejar salir cosas fuera, ya sean mentales o emocionales, característico de sus series iniciales en tinta china concebidas en París (Abstracciones, 1959-60). De hecho, incluso reconociendo en ellos algo sustancialmente distinto al tipo de trabajo que vendría después, ese modo evolutivo de permitir que un yacimiento productivo se dilate siguiendo la intuición, pervive hasta hoy después de haber pasado por distintos estadios. Han cambiado los motivos, los recursos y materiales, las técnicas y tecnologías, incluso los medios, pero ese sistema circulatorio se ha mantenido adaptado a cada época. Desde entonces, en el momento que coge una veta favorable, la energía fluye con plétora, una expansión parecida a las ondas que se propagan cuando se lanza una piedra al agua. Pocas veces hay previsión; si acaso un cierto control para evitar que las ideas mueran por saturación.
Aun manteniendo un nivel alto de entropía que impide prever la combustión que generan sus desbordamientos horizontales, para el artista resulta mucho más fácil seguir la estela de estas fuerzas derramadas que inventar otras nuevas. Es como si sobrara energía y de manera natural pasara de un lugar a otro, como si un líquido rebosase y empapase su entorno estimulando una dilatación tan incontenible como inevitable. Así, cuando surge el impulso debe aprovecharlo, una propulsión que genera subconjuntos encadenados que no pueden desconectarse. Al proceder de un magma común que los alimenta y justifica, sólo tienen sentido de manera unísona. No puede leerse de otro modo, son como sílabas de una misma palabra cuya ordenación deviene un significado concreto superior a la suma de las partes. Estas progresiones la encontramos en todas sus etapas y en técnicas diversas que van desde el dibujo a la fotografía pasando por la obra gráfica digital. Algunos ejemplos últimos podrían ser Electro-Amable (2020) Transmigración de almas, A y B (2020) o Naufragio (2020).
Al principio de su carrera, estos desarrollos horizontales los hacía garabateando formas sobre un papel, que pasaban de un folio a otro, o de una página a la siguiente si era un cuaderno. Esta manera de trabajar era un modo de dejar salir cosas fuera, ya sean mentales o emocionales, característico de sus series iniciales en tinta china concebidas en París (Abstracciones, 1959-60). De hecho, incluso reconociendo en ellos algo sustancialmente distinto al tipo de trabajo que vendría después, ese modo evolutivo de permitir que un yacimiento productivo se dilate siguiendo la intuición, pervive hasta hoy después de haber pasado por distintos estadios. Han cambiado los motivos, los recursos y materiales, las técnicas y tecnologías, incluso los medios, pero ese sistema circulatorio se ha mantenido adaptado a cada época. Desde entonces, en el momento que coge una veta favorable, la energía fluye con plétora, una expansión parecida a las ondas que se propagan cuando se lanza una piedra al agua. Pocas veces hay previsión; si acaso un cierto control para evitar que las ideas mueran por saturación.
Aun manteniendo un nivel alto de entropía que impide prever la combustión que generan sus desbordamientos horizontales, para el artista resulta mucho más fácil seguir la estela de estas fuerzas derramadas que inventar otras nuevas. Es como si sobrara energía y de manera natural pasara de un lugar a otro, como si un líquido rebosase y empapase su entorno estimulando una dilatación tan incontenible como inevitable. Así, cuando surge el impulso debe aprovecharlo, una propulsión que genera subconjuntos encadenados que no pueden desconectarse. Al proceder de un magma común que los alimenta y justifica, sólo tienen sentido de manera unísona. No puede leerse de otro modo, son como sílabas de una misma palabra cuya ordenación deviene un significado concreto superior a la suma de las partes. Estas progresiones la encontramos en todas sus etapas y en técnicas diversas que van desde el dibujo a la fotografía pasando por la obra gráfica digital. Algunos ejemplos últimos podrían ser Electro-Amable (2020) Transmigración de almas, A y B (2020) o Naufragio (2020).
En la tradición fotográfica del siglo XX ha predominado lo documental, ahora impera la mixtura. La imagen actual es algo dinámico que genera cambios continuos, que se retroalimenta y da saltos de un sitio a otro, tal como la ha concebido Gordillo desde que empezó a usarla en sus procesos de trabajo. La imagen puede ser al mismo tiempo objeto y representación, soporte y contenido, da igual si el punto de partida es un recorte de periódico, la viñeta de un cómic o un cuaderno de dibujo para niños, todo se mezcla y divide en fragmentos. Las mismas páginas de los catálogos del propio artista sirven igualmente como alimento de otras obras. Las imágenes físicas saltan de los libros a las mesas, del suelo a la pared, de las cajas a los cuadros. Existe muchísima contaminación entre la imagen y cualquier expresión de ahora. Esto no es algo que sólo ataña a lo visual, esa disolución de los límites ya es palpable en aspectos comunes como la comida, el lenguaje o las razas. El planeta global del siglo XXI es mixto, mezclado, tiende a la integración como el corpus creativo de Luis Gordillo, cuya forma de hacer refleja esa realidad multifacética e imprevisible que nos envuelve.
La pintura es un método de concepción de imágenes fundamentado en la síntesis, la fotografía se basa en la selección. Las pinturas se crean, se construyen a partir de un conjunto de esquemas mentales aprehendidos, suma capacidad y habilidad. Las fotografías e imágenes encontradas, sin embargo, se toman o hallan; sólo hay que saber situarlas, experimentar con ellas, buscarles una nueva vida, dotarlas de sentido.
Será con el avance de las cámaras digitales de uso común desde comienzos del siglo XXI cuando la fotografía alcance un punto definitorio como ignición en el trabajo de Luis Gordillo. Este nuevo instrumento permite lanzar constantes instantáneas del estudio y su entorno sin compromiso, imágenes que se ojean al momento y que pueden imprimirse con facilidad en una tienda cercana a su casa. En los setenta, el desencadenante de una imagen inicial eran los cientos de dibujos directos que generaba a modo de desahogo impulsivo, asunto que luego pasaba a un lienzo. A partir del año 2000, esa simiente-motivo proviene de fotos ordinarias; primero tiradas a 10x15 cm y posteriormente a 13x18 cm. Imprime cientos y cientos que le sirven de maquetas para hacer probaturas. Aunque el tiempo avanza inexorablemente hacia lo virtual y casi todo lo vemos ya mediado por una interfaz, el artista opta por sacar las fotografías en el laboratorio y manipularlas directamente con las manos y no en la pantalla del ordenador.
A Gordillo le gusta tocar las imágenes con sus dedos, moverlas, cambiarlas, solaparlas, entrecruzarlas, recortarlas, dibujarlas, pegarlas, mancharlas, rayarlas… No abandonar la materia, no olvidar la parte física. Se siente y sabe un artista con alma analógica, pero le encanta mezclar en la túrmix esos elementos palpables con lo digital, que el desenlace no sea ni una cosa ni la otra. En estos tanteos creativos, prefiere seguir manteniendo las sensaciones táctiles y el disfrute directo del proceso, no perder distancia con lo que hace y poder improvisar sin mediación de ninguna máquina, pervirtiendo ese positivado en papel de forma gustosamente descontrolada y según le salga. Una vez consigue una organización adecuada de color, forma y composición, vuelve a fotografiarla de nuevo con calidad suficiente para luego producirla a una escala mucho mayor. En muchos casos, la misma imagen se repite dentro de esa imagen, creando un juego metalingüístico de mise en abyme donde la parte se conecta con el todo de manera análoga a las matrioskas rusas.
El uso del ordenador (siempre con la colaboración de ayudantes) ha permitido a Gordillo continuar investigando sobre la representación y sus infinitas posibilidades combinatorias, una deriva donde los collages y la fragmentación se multiplican de manera exponencial, tal como observamos en estas obras originadas a partir de unas viñetas de cómic. Los avances tecnológicos y las inacabables alternativas de la impresión digital posibilitan una deriva múltiple de tramas, subtramas y efectos especulares que incorpora a los procedimientos analógicos tradicionales nuevas contingencias imprevistas que el artista aprovecha con apetencia. La imagen regurgitada en la pantalla se vuelve caleidoscópica o explosiona en todas direcciones superponiendo, entrelazando o dividiendo sus pliegues en una batalla placentera donde Gordillo disfruta de la promiscuidad del medio, que le facilita quiebros y descubrimientos hasta el infinito.
Para una persona de más de ochenta años como Gordillo, la vida creativa es más fácil y cómoda con el apoyo de las imágenes: germinan sin esfuerzo, requieren poco empeño, están en todos lados. Una vez recolectadas, el artista sólo debe colocarlas de la forma adecuada, ensamblarlas con sentido, intervenirlas a su gusto. Sencillamente, encontrar el carácter necesario para que ese aglutinante se convierta en un mortero firme. Los usos de la fotografía o de cualquier otra representación ya dada, en este caso un cuaderno de dibujo para niños, poseen algo lúdico, ameno, distendido. El artista se lo pasa bien con estas derivas que mezclan collage y dibujo, le resultan como un pasatiempo con entidad, le suponen apenas desgaste y ayudan a desatascar momentos de crisis.