El bailarín y coreógrafo Jesús Carmona contó con la colaboración de un grupo de expertos de la Universidad, la Clínica y el Cima Universidad de Navarra para el desarrollo de Súper viviente, un espectáculo en torno al trastorno de identidad disociativo y a otras cuestiones relacionadas con la salud mental. Estos investigadores realizaron sus aportaciones desde la psiquiatría, la psicología, la educación artística y la neurología.
Carmona presentó el estreno absoluto de este espectáculo el 26 de septiembre de 2024, con codirección artística de María Cabeza de Vaca.
Coproducido por el MUN y la Compañía Jesús Carmona y con el apoyo de la Comunidad de Madrid, Súper viviente se llevó a cabo gracias a miembros del patronato promotor.
PARA SABER MÁS
Actividades relacionadas
Más sobre la colaboración de Jesús Carmona con los investigadores
El MUN: punto de encuentro entre arte y ciencias, y entre disciplinas artísticas
María Pagés y El arbi El Harti, invitados por la dirección artística de Artes Escénicas y Música, son autores de este proyecto de creación coreográfica que se inspira en la exposición Una Tierra Prometida, del Siglo de las Luces al nacimiento de la fotografía. El proyecto forma parte del programa de residencias artísticas del Museo.
Tierra prometida es una intervención escénica creada ex profeso para interactuar con la exposición homónima Una Tierra Prometida. Del Siglo de las Luces al nacimiento de la fotografía.
Producida por la María Pagés Compañía y el CCPM, de la mano del Museo Universidad de Navarra, esta coreografía performática tiene una vocación inclusiva. En ella, la coreógrafa María Pagés y el dramaturgo El Arbi El Harti, invitan a la danza flamenca, la fotografía y la escenografía museística a concebir una nueva semántica escénica. Suman en una aleación hospitalaria la energía fecunda de la danza flamenca a la belleza estética y ética del Museo y de la exposición.
En Tierra prometida la danza se acerca a la génesis de la fotografía, dialoga con ella y la sublima. La fotografía y la danza comparten la misma esencia poética y el mismo vínculo con el espacio, el tiempo, la realidad, el movimiento y la armonía... Una fotografía es una instantánea que narra una historia. Una coreografía es la sucesión de instantáneas que desean contar la Historia desde la emoción ética de un imaginario creativo.
El imaginario ha necesitado siempre territorios simbólicamente fértiles. Oriente, sin duda, cumple con este requisito. Se adaptó muy bien a esa necesidad existencial de extrañamiento que Occidente requería en aquellos tiempos. La traducción de Las mil y una noches, la edición de diccionarios, la redacción de ensayos, la creación de teatro, novela, poesía y cuentos, la fascinación por países lejanos, las relaciones diplomáticas con la Puerta, el interés intelectual por el Corán, no son otra cosa que la prueba de ese empeño por el descubrimiento de un mundo ubicados en territorios profundamente sugestivos.
Toda esta labor, que comenzó en el siglo XVIII y que tenía mucho de un tesón creativo casi convulsivo, era una invitación al otro, a través de una estética de lo desconocido, una estética del exilio, de la reescritura.
El proyecto contó con el apoyo de Paula Orozco y Álex Ventós.
PARA SABER MÁS
Vídeo resumen
Making of
El evento
En las residencias del Museo la creación de los artistas se inspira en piezas de la colección del Museo. En esta ocasión el proyecto fue más allá y generó un espacio de colaboración entre el artista visual Fernando Pagola, con su exposición Triple Concierto, y el coreógrafo y bailarín Jon Maya.
Ambos artistas compartieron inquietudes y reflexiones en torno a cuestiones como el movimiento de la figura humana, el poder de las tensiones y su plasmación en el cuerpo o la plasticidad de las diversas disciplinas artísticas. Finalmente, el día 16 de junio de 2023 se compartió con el público en el marco de la exposición Triple Concierto, la intervención coreográfica Tres Movimientos. Ambas creaciones, la visual y la coreográfica se fundieron en un diálogo del que el público formó parte.
Para saber más:
El coreógrafo y bailarín se inspira en Pharsalia, un poema de Lucano, autor cordobés del siglo I, para hablarnos sobre la guerra desde un enfoque alegórico. Para completar su proceso de trabajo de investigación previo a la creación coreográfica, el coreógrafo contó con la comunidad investigadora de la Universidad de Navarra. Al proyecto se sumaron filólogos, arqueólogos y filósofos que trabajaron junto a los bailarines, diseñadores, iluminadores… De este modo el proyecto reunió el enfoque artístico y el académico.
El resultado del proceso creativo resultante de la residencia se pre-estrenó en el Museo Universidad de Navarra.
Para saber más:
14 OCT '22/ 19:30H · Pharsalia. Compañía Antonio Ruz
11 OCT '22/ 19:00H · Cómo hacer cosas con... El poema Pharsalia de Lucano. Con Olga García, Antonio Ruz y Álvaro Sánchez Ostiz
Propuesta escénica:
Atlàntida, de Manuel de Falla.
Música de Manuel de Falla y Ernesto Halffter
Coproducción:
Coral de Cámara de Pamplona y Museo Universidad de Navarra
El estreno absoluto de Atlàntida en versión de cámara tuvo lugar en el Museo Universidad de Navarra el día 5 de marzo de 2022, dentro del ciclo Cartografías de la Música.
Previamente "Atlántida, en busca de la esencia" se presentó el día 21 de noviembre en el Gran Teatro Falla de Cádiz, en el marco del XIX Festival de Música Española de Cádiz | Manuel de Falla, en versión camerística semi escenificada, en versión para canto y piano a cuatro manos.
El proyecto contó con el apoyo del INAEM, Gobierno de Navarra, Ayuntamiento de Pamplona y el Archivo Manuel de Falla.
Accede a la información del evento
Apuntes escénicos del Museo
Este es el vídeo resumen del evento:
La pieza surge de la preocupación de sus autores por divulgar la danza, por atraer al público desde la propia concepción de la obra... y para ello se preguntaron: ¿por qué no contar con el público desde los primeros compases del proceso creativo?
Para ello se realizó una convocatoria a la que podían acceder aquellas personas que, no estando vinculadas al mundo de la danza, tuvieran interés en participar en un proceso de esta naturaleza. El grupo resultante recibió el nombre y categoría de "Grupo de trabajo" y participó en la conformación de la pieza en todos sus estadíos.
Buena parte de ese grupo de trabajo eran alumnos de la Universidad que destacaron la experiencia y se convirtieron en los mejores prescriptores de la danza contemporánea.
El proceso participativo supuso un importante reto para la compañía que estableció un ambicioso calendario iniciado el 17 de septiembre y que culminó con el estreno de la pieza el 6 de noviembre de 2021.
La pieza se enmarcó dentro del ciclo Museo en Danza 2021 y recibió dos premios en la XXV edición de los Premios Max de las artes escénicas, el de Mejor coreografía y el de mejor iluminación concedido a Nicholas Fischtel.
Para saber más:
Accede al site del evento
Site del proyecto creativo en el Campus
Dossier Max de la obra
Acceso al site de prensa del evento
Accede al resumen de Museo en Danza 2021
La vida vivida y por vivir es un proyecto teatral participativo nacido de la inquietud de José Manuel Garrido, anterior director artístico del Museo, quien se planteó cuestiones en torno al papel de los mayores en nuestra sociedad a raíz de la pandemia.
Compartió sus inquietudes con Tomás Muñoz para, desde el arte y el teatro, dar respuesta a estas inquietudes. Pronto se sumó al proyecto Pepe Galera.
El equipo artístico realizó un cásting entre personas mayores de 60 años sin experiencia previa en teatro. El grupo de participantes, acompañados por el equipo artístico llevaron a cabo un proceso de reflexión, concreción, creación y puesta en escena, que dió como fruto la obra teatral del mismo título. El estreno absoluto de la obra tuvo lugar el 24 de abril de 2021 en el teatro del Museo Universidad de Navarra.
El proyecto despertó el interés de los medios y de otros agentes culturales. En la región de Murcia va a replicarse la experiencia, y el grupo de nuevos actores realizará una gira por Navarra acercando la obra a otras localidades.
La iniciativa formó parte del proyecto QUIDARTE, que contó con el apoyo de la Fundación Obra Social la Caixa y Fundación Caja Navarra.
Accede al desarrollo del proyecto
Accede al resumen del proyecto Quidarte
Accede a la plataforma de contenidos digitales del MUN para ver la grabación completa de la obra
El Cantar de Cantares es una propuesta escénica poética del director Ignacio García, quien fue invitado a participar en el programa de residencias creativas del Museo Universidad de Navarra. En dicho programa, los artistas invitados se inspiran en la colección, los espacios o los proyectos del Museo para generar una obra nueva.
Ignacio García visitó el Archivo Fotográfico del MUN el 21 de febrero de 2020, tras una visita previa en noviembre de 2019. Desde entonces, se han sucedido las conversaciones para dar forma a este proyecto. Así nace El Cantar de Cantares, en la traducción en octava rima de Fray Luis de León, sobre fotografías de José Ortiz Echagüe, cuyos fondos pertenecen a la colección del Museo, y música del mismo Ignacio García sobre melodías de George Gurdjieff, Antonio Vivaldi, Bárbara Strozzi, los hermanos Mancuso, Nityn Shawney y otros.
El público pudo asistir al estreno absoluto de la obra, en formato work-in-progress, el día 23 de enero de 2021. Con posterioridad, fue escogida como pieza representativa de la producción escénica en la Comunidad Foral para su presentación en el Festival Internacional de Teatro de Almagro, en el que Navarra fue la provincia invitada.
En 2021, el Encuentro Internacional de Teatro MITEM de Budapest, incluyó la obra en su VII edición como única representación española del programa. Acceso al clipping del Encuentro aquí.
Vídeo resumen Desde la Ternura
La obra es fruto de la residencia que el artista ha realizado en el Museo y que comenzó a finales de 2019. La propuesta ha contado con el apoyo del INAEM y el Ayuntamiento de Pamplona.
El abrazo de una niña y un hombre. Ese gesto de afecto y sensibilidad captado por la cámara de José Ortiz Echagüe fue la imagen que inspiró al coreógrafo y bailarín Daniel Abreu para crear Desde la ternura, una pieza site specific desarrollada en diálogo con la arquitectura y las exposiciones del Museo.
A Abreu le cautivó una fotografía, titulada La ternura, perteneciente a la Colección. “Tenía unas inquietudes artísticas que tenían mucho que ver con los afectos y me encontré con esta foto. Pude ver distintos tonos de revelado y me llamó la atención que había algo en los gestos que daba pie a una interpretación mucho más amplia”.
Los bailarines Dácil González y Arnau Pérez y el músico Hugo Portas le acompañaron en la propuesta, impulsada por Teresa Lasheras, directora de Artes Escénicas y Música del Museo.
En palabras de Abreu, Desde la ternura no propone “una representación de esa fotografía” sino compartir con el público “historias acerca de la ternura”: “La ternura es el motor, el concepto que quería trabajar. Pero más allá de eso, hay un edificio maravilloso, una arquitectura fantástica que nos permite movernos por muchos sitios. Este entramado físico, musical y teórico se empezó a mover en estos días de residencia”. En este sentido, ha apuntado que el proceso creativo de esta pieza es “muy líquido” y que “genera muchas preguntas, sobre todo en un contexto en el que todo cambia”.
“(...) la música en directo de Hugo Portas, además de la música preexistente, que genera muchísimos ambientes, el material fijado de coreografía y la libertad de los intérpretes están relacionados en torno a unos gestos que recoge Ortiz Echagüe: una mano que no termina de arropar a una niña y ella, que no termina de tocar a un padre o un abuelo”. Así, la pieza ofrece interpretaciones que son sobre todo preguntas en torno a “por qué, para qué, qué es la ternura, qué conlleva, de dónde parte y hacia dónde va”.
La bailarina Dácil González destacó que “es maravilloso trasladar un material físico de un estudio al Museo: aquí toma vida, se va transformando y adaptándose a cada sitio. La arquitectura del espacio, el contenido que se le da al espacio donde se trabaja y la manera de habitar el lugar es muy interesante”, y para Arnau Pérez, ha sido un trabajo “enriquecedor que me ha permitido llevar el cuerpo a sitios distintos o que me resultaban más frágiles. Ha habido una conversación muy interesante en torno a cómo van cambiando los tres cuerpos que están en escena y cómo resurgen estas ideas conceptuales”.
Hugo Portas, a cargo de la música que se interpretó en directo, ha precisado que se trata sobre todo de piezas barrocas, “versiones trasladadas a un instrumento contemporáneo como la tuba”.
Abreu ya presentó en noviembre 2020 su espectáculo El hijo, dentro del ciclo Museo en Danza, y facilitó un taller de danza en la misma temporada.
Para saber más...
Más información sobre Desde la ternura
Acceso al vídeo resumen de Museo en Danza 2020
JON MAYA
Tras el periodo de confinamiento, en octubre de 2020 el público se reencontró con la danza en #Gauekoak, la pieza de Kukai Dantza que cierra esta "crónica de un confinamiento" y la residencia artística de la compañía de Jon Maya en el Museo Universidad de Navarra.
El 10 de octubre 2020, con esta pieza, dió comienzo la tercera edición de Museo en Danza.
Acceso al teaser de Gauekoak y a la Masterclass de Jon Maya
En octubre 2021 se publicó el Cuaderno de Creación dedicado a este proyecto
El confinamiento vivido a causa de la COVID-19 nos ha expuesto a todos a nuevas situaciones y retos, que la comunidad creativa afronta e interpreta desde su propia perspectiva. Esta nueva situación fue objeto de debate y reflexión entre Jon Maya, director de Kukai Dantza, y José Manuel Garrido, director de Artes Escénicas del Museo Universidad de Navarra.
Este proceso reflexivo, individual y compartido, ha dado lugar a un proyecto de residencia artística gestado durante el periodo de aislamiento, materializado en una semana de intenso trabajo en el Museo para dar lugar a una nueva creación que lleva por título ‘A puerta cerrada’, una de las primeras creaciones fruto de las inquietudes artísticas de Kukai Dantza y del Museo Universidad de Navarra ante el contexto histórico que vivimos.
El proceso de creación desencadenado en esas conversaciones vive su propio ritmo de desescalada, adaptándose en cada momento a los condicionantes del entorno. La creación se inicia en la soledad del confinamiento individual, antes de alcanzar su particular “fase 1”; ese momento en el que inician los ensayos por separado, y cada bailarín experimenta el impacto del reencuentro con la fisicalidad de la danza y el gozo de compartir el proceso coreográfico, aún sin poder encontrarse físicamente. No será hasta la fase 2 cuando se reencuentren y gocen de compartir en un mismo espacio, las salas del Museo, este trabajo coreográfico.
A puerta cerrada se materializa en tres piezas artísticas en forma de trilogía. Las dos primeras, de corte coreográfico-audiovisual y en formato digital, se estrenarán online los días 12 y 19 de junio. Ambas se están trabajando durante una residencia artística en el propio edificio del Museo entre el 25 de mayo y el 1 de junio. Y la tercera parte es una pieza de Jon Maya que será estrenada, previsiblemente, en el Museo el 10 de octubre, este espectáculo abrirá “Museo en Danza” y será una invitación a compartir la danza en vivo con el público.
El proyecto en su conjunto es un proceso creativo desencadenado por la situación de crisis que entabla un diálogo con la arquitectura del Museo y con la exposición "Universos" de David Jiménez y que se inspira en las fotografías de Roncalesas (1920) de José Ortiz Echagüe, pertenecientes a los fondos del Museo.
Los propios artistas y la dirección artística del Museo trasladarán sus reflexiones al público a través de tres encuentros, dos de ellos digitales, que precederán a cada una de las piezas de la trilogía, con la finalidad de profundizar en ellas individualmente y facilitar su comprensión como parte de un todo.
Acceso a los encuentros:
- José Manuel Garrido y Jon Maya ponen marco al proyecto.
- Jon Maya y David Jiménez dos artistas ante el proceso creativo
‘HOY Y MAÑANA SON AYER’ /‘BIHAR, ETZI, ATZO DA’
La fotografía de Ortiz Echagüe ‘Las Roncalesas de 1920’ sirve al coreógrafo Jon Maya de inspiración para esta pieza . En ella, tres bailarinas personifican la gripe del siglo XX en un confinamiento interior. El artista construye, a través de su danza, un relato que une el contexto pandémico de la época fotografiada, con el presente y el futuro al que nos encaminamos. La rueda imparable del tiempo nos invita a revisitar un pasado que tiende un puente hacia un nuevo futuro. La música, del compositor Luis Miguel Cobo, gira en torno a Bach, artista que inspira el famoso ‘Homenaje a Bach’ de Jorge Oteiza, pieza de la colección ubicada en la sala donde tiene lugar parte de esta coreografía.
Acceso a Hoy y Mañana son Ayer
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Bailarines con la obra de Ortiz Echagüe de fondo -
La danza en la sala Oteiza -
Un momento del proceso coreográfico-artístico
‘SITUACIONES’ / ‘EGOERAK’
La pandemia actual ha puesto de relieve con particular insistencia contrastes y preocupaciones, dualidades que acompañan al ser humano: interior/exterior, oscuridad/luz, soledad/contacto, equilibro/desequilibro. Las situaciones vividas por todas las personas se traducen en un movimiento que se acompasa con la arquitectura del edificio y la exposición ‘Universos’ del fotógrafo David Jiménez. Un movimiento basado en el contraste de claros y oscuros, del paisaje interior y exterior, en la descontextualización de las propias vivencias desde la apertura hacia nuevas, a veces inciertas, situaciones.
Acceso a Situaciones
‘GAUEKOAK’: crónica de un confinamiento
La última creación de Kukai Dantza, ‘Gauekoak’, adquiere un nuevo significado y una nueva relevancia a la luz de los acontecimientos. La pieza refleja el confinamiento creativo de un artista durante su proceso de reflexión y experimentación. Teniendo la noche y un espacio cotidiano como hábitat, el bailarín Jon Maya y los músicos Xabi Bandini y Arkaitz Miner se enfrentan al encierro del creador. Interpretarán en directo una pieza que cuenta como coreógrafos invitados a Israel Galván, Cesc Gelabert y Sharon Fridman.
Esta actividad, desarrollada el día 10 de octubre de 2020 en el teatro, abre la tercera edición de Museo en Danza, un ciclo marcado por el pensamiento, la reflexión y el reencuentro del público y los creadores en los espacios escénicos. ‘A puerta cerrada’ nos conduce así, a través de sus diferentes formatos, hacia una normalidad nueva que marcará el encuentro en vivo entre público y creadores.
Otros materiales:
Cuaderno de creación. Jon Maya
Ciclo Museo en Danza 2020
ANTONIO RUZ
Coreógrafo y bailarín independiente, es uno de los creadores más destacados de la danza en nuestro país. Su discurso se sustenta en un acentuado interés por el carácter más abierto de la danza. Una apertura que es resultado, tanto de una amplia formación, como del desarrollo de su homilía creativa, enmarcada en la danza contemporánea, pero también en la danza española y el flamenco y en el encuentro de ambas.
Fue en 2009, fruto de una necesidad personal y artística, cuando Antonio Ruz crea en Madrid su propia compañía de danza. “Mi reto en cada proyecto es potenciar el lado humano de los intérpretes, desnudar su personalidad. La técnica y el virtuosismo sin un discurso de fondo, no me interesan”, explica el creador.
Entre las menciones y galardones que dibujan su trayectoria, figuran el reciente Premio Nacional de Danza 2018 en la Categoría de Creación y el Premio “Ojo Crítico” de Danza 2013 RTVE.
PROYECTO DE RESIDENCIA ARTÍSTICA
Tomando como punto de partida una selección de fotografías en blanco y negro de la colección del Museo de diversos autores del siglo XX, la obra propone un juego evocador a través de la danza en la que los bailarines dialogan con la arquitectura, la luz y la música en distintos espacios del Museo.
“Desde hace años, mi pasión por la fotografía ha hecho que este arte se convierta en una importante herramienta creativa como coreógrafo; la principal fuente de inspiración de alguna de mis obras. Siempre me fascinó el ejercicio de transformación de una imagen plana a la tridimensionalidad del cuerpo en movimiento y el modo de conexión entre pasado y presente que en ese proceso se genera”.
Antonio Ruz
Acceso al vídeo resumen de la pieza:
TRANSMUTACIÓN 9/11/19 | 19:30
Acceso al vídeo resumen del ciclo Museo en Danza 2019
2023: Publicación del Cuaderno de Creación "Transmutación" de Antonio Ruz.
SOLILOQUIOS / ISIL- HIZKETAK arrancó como proyecto en el otoño de 2017 con una invitación de José Manuel Garrido, director artístico de artes escénicas y música del Museo Universidad de Navarra, a Jon Maya, director de Kukai Dantza, para que participara en el programa de acompañamiento de artistas durante los procesos de creación. La transversalidad de los lenguajes artísticos, el arte en movimiento, la conexión con la comunidad universitaria y el registro de estos procesos son algunos de los elementos principales de este programa. En el trabajo generado, el Museo actúa a la vez como fuente de inspiración, apoyo y canal para el nacimiento de una obra viva.
Jon Maya contó en este proyecto con la colaboración de Israel Galván y de Cesc Gelabert, tres creadores con registros e inquietudes muy diversas que hicieron de este proyecto artístico un disfrute para el público. Los tres destacaron que la riqueza de la colaboración les había reportado un bello aprendizaje gracias al contacto con los demás creadores, un vínculo muy cercano con el público y la oportunidad de integrar en su creación piezas de arte muy vinculadas a sus propias raíces.
SOLILOQUIOS / ISIL- HIZKETAK se estrenó el 23 de mayo de 2019 en el Museo Universidad de Navarra.
ITSASO A. CANO
Itsaso Álvarez Cano, es directora de la compañía ZUK PERFORMING ARTS, es bailarina y coreógrafa licenciada por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila en la carrera de Coreografía Contemporánea. Itsaso es una creadora polifacética, dirige y coreografía espectáculos escénicos, conciertos musicales, coreografías para cine, vídeo danza y vídeo clips. En continua formación y búsqueda, la coreógrafa integra sus aprendizajes en sus piezas.
Zuk nace en 2012 en Madrid. La compañía destaca por sus propuestas actuales donde incluye la danza y las artes vivas a través de la música, las audiovisuales y el contacto directo con el público todo ello unido a un lenguaje coreográfico propio que nace en el encuentro de la danza urbana con la danza contemporánea.
MATERIA
"Cubre la memoria con la máscara de la que serás,
y asusta a la niña que fuiste"
- A. Pizarnik -
Es un viaje inquietante que se adentra en nuestros sentimientos y cuestiona nuestros patrones de comportamiento, reivindicando que somos mucho más que piel y hueso. Se estrenó el 9 de noviembre de 2018 a las 19:30.
La pieza dio lugar a la publicación Cuaderno de Creación de Itsaso A. Cano
FICHA ARTÍSTICA
Dirección y coreografía: Itsaso Álvarez Cano
Composición musical: Sofía Comas, Guillermo Medín y Gonzalo Rivas (música electrónica)
Vestuario e iluminación: Eleni Chaidemenaki
Bailarines: Julia Lith, Ada Continente, Macarena Bielski, Selene Martínez, Jhonder Gomez y Marco Motta
Interpretación musical: Sofía Comas (cantante)
Coro de bailarines y colaboradores navarros: Laura Sola, Ana Gutierrez, Margarita Gómez, Ainhoa Yuantao, Amaia Martinez, Anna Emmanuel, Irune Vazquez, Goizeder Azcarate, Anne Mendoza, Amaia Arbeloa, Izai Rodriguez, Paula Casajús, Ivan Navarro , Sara Ariño, Raquel Ordoñez, Iranzu del Valle de Miguel, Harritxu de Atxa Cancel
Producción: Miguel PG
Asistencia Producción: Vicente Romero
Fotografía y vídeo: Harria Producciones
Otros materiales:
Vídeo resumen Museo en Danza, ciclo en el que se presenta Materia
Libro: Cuaderno de Creación
DANI PANNULLO
Dani Pannullo nació en Río Negro en la Patagonia argentina. Formado en danza y teatro en Buenos Aires y tras largas temporadas de investigación en EEUU y Japón, se instaló en España, donde lleva residiendo más de veinte años, y es en Madrid donde ha desarrollado toda su carrera artística como coreógrafo y director de escena.
Su inspiración fue siempre la cultura urbana a la que él incorpora otras expresiones de la danza que ha conocido en sus viajes de exploración por el mundo, como el butoh japonés, el derviche egipcio o el flamenco, entre otros.
Su compañía, creada en 1999 con bailarines procedentes de las más variadas disciplinas, ha producido durante sus períodos de residencia en el Centro de Nuevos Creadores de Madrid y en el Centro de Danza Canal una veintena de espectáculos con los que ha participado en festivales nacionales e internacionales representando la creación contemporánea dentro y fuera de España. En 2016 impartió un taller de danza urbana en el Museo y trajo al teatro su espectáculo Avalanche.
'ATLAS, MAP OF MOVES'
La creación de Dani Pannullo se inspira en los viajes que realizó el fotógrafo José Ortiz Echagüe donde el artista capturaba con magistral composición escenográfica los paisajes, raíces y costumbres de los países que visitaba. Panullo se inspira en el trabajo de Ortiz Echagüe para mostrar al espectador la belleza de lo estático a través de los movimientos de estas nuevas formas de expresión.
ATLAS Map of moves propone un viaje a través de las nuevas técnicas de expresión corporal creadas por los jóvenes en las periferias de las ciudades de todo el mundo. La lucha grecorromana, el workout freestyle, el B-boying o el parkour presentan acrobacias, movimientos de gran destreza física, riesgo y locura de gran belleza que construyen un ballet urbano contemporáneo inspirado en la obra de Ortiz Echagüe.
Estas formas de expresión corporal han nacido en playas, parques y terrazas de todo el mundo y han conseguido cautivar a muchos jóvenes. Por ello, el espectáculo pretende construir un discurso urbano que una a quienes practican a diario estas técnicas y que, por diversas razones; geográficas, sociales, educacionales, etcétera, se encuentran alejados.
Esta pieza se estrenó en el Museo el 16 de Noviembre de 2018 a las 19: 30 y dio lugar al Cuaderno de Creación de Danni Pannullo.
Otros materiales:
Vídeo resumen del Work in progress de la pieza Atlas Map of Moves
Vídeo presentación Museo en danza
La residencia de Martín en el Museo Universidad de Navarra generó tres obras -Control, Symptoma y Oximórica- y una constante de acciones y desarrollos reflexivos. Los trazos y apuntes del artista, algunas de sus claves y obsesiones fueron recogidas en el libro "Cuadernos de Creación", primer volumen de la colección del mismo nombre. En él, se puede también recorrer las imágenes, paisajes o textos que inspiran al autor.
El coreógrafo y bailarín gallego Javier Martín estrenó el 20 de febrero de 2015 la 'Control', cuyo "work in progress" pudo verse en noviembre del año anterior.
Enmarcada dentro del Festival Internacional Madrid en Danza, la obra ha sido coproducida por el Museo y la consultora Artibus. En el marco de su residencia artística, el artista participó en un taller y una conferencia sobre la investigación de las artes en movimiento.
De formación científica y con múltiples intereses conceptuales, Martín planteó este solo-improvisación y debate posterior como una experiencia compartida.
En 'Control' desarrolla el concepto de transformación para crear un solo buscando "descubrir cómo esta energía psíquica se estructura en el cuerpo; averiguar cómo esta energía permanece inmóvil, potencial, pautando y cambiando la ubicación del movimiento constante de la homeostasis, su cinética inherente o biodinámica".
El coreógrafo autodidacta y ecléctico también impartió el fin de semana el taller 'El cuerpo fantasma', con la colaboración de la Universidad de Navarra.